Oxymore dramatique et musical 

Un Bal masqué présente une tragédie dans une ambiance festive, tout comme d'autres opéras célèbres du répertoire, notamment Werther de Massenet dont le terrible drame se déroule en contrepoint des fêtes de Noël, ou bien celui de La Traviata de Verdi, tristesse déchirante littéralement en même temps que les fêtes bourgeoises parisiennes.

Mais, contrairement aux drames absolus que sont La Traviata et Werther, dans Un Bal masqué l'association du festif et du tragique provoque un certain mélange des genres. Le tragique amour interdit sacrifiant l'amitié et la vie humaine est ici marié à une intrigue avec de nombreux rebondissements, empruntant presque à l'opéra-bouffe voire au vaudeville musical. Dès l'ouverture, le mouvement fugué (forme musicale classique et recherchée) mène certes à des thèmes musicaux amples et émouvants (aux longs archets) ainsi qu'à une légèreté raffinée des vents, mais en passant par des accents rebondis et soulevés. Certains passages auraient même leur place dans une (excellente) opérette, avec de petits airs répétitifs aux aigus aigrelets et cuivres très ronds, le tout porté par un rythme et des percussions de fanfare avec les contretemps accentués (c'est particulièrement flagrant pour la conclusion de la première scène, avant d'arriver chez la magicienne, la musique devenant alors sombre et mystérieuse). La première intervention du chœur, juste après l'ouverture dès le début de l'opéra est ainsi symptomatique : superposant littéralement des accents buffa avec un chœur monacal.

Bel canto classique 

L'écriture sait honorer les canons classiques par des formes bien construites, autour de phrases symétriques se répondant, de même que les petits motifs musicaux qui les composent et qui sont variés suivant un cycle de tonalités et passant aux différents timbres des instruments. Bien entendu, Verdi compose comme toujours avec ce génie du bel canto qui met toute la musique en harmonie avec le beau chant (et toutes ses couleurs, ses élans, comme ses tessitures). L'orchestre sait ainsi soutenir, porter, accompagner, dialoguer avec les voix, leur offrir un contrepoint, voire parfois les contredire. La fosse fait bloc pour soutenir la voix par de grands accords, éventuellement s'y opposer. Mais la phalange porte le plus souvent les voix dans ses élans et accents et par-dessus tout, la ligne instrumentale soutient les voix en les doublant, jouant la même note ou bien un intervalle consonant, le plus souvent une tierce (trois notes d'écart comme par exemple do-mi) ou son intervalle symétrique qu'est la sixte (par exemple mi-do en montant dans l'aigu ou bien do-mi mais en descendant vers le grave), parfois la quinte pour ouvrir l'harmonie car cet intervalle est très consonant, parfois la quarte pour un effet accentué. Les harmonies et le choix des instruments pour ce soutien renforce les effets dramaturgiques et les caractères. Une couleur sombre ou un des cuivres peuvent accompagner tous les personnages, selon l'épisode dramatique, tout comme le rythme guilleret d'un son flûté.

Opéra d'arias 

Le génie de Verdi se reconnaît une fois de plus dans ce chef-d'œuvre qu'est Un Bal masqué avec ses nombreux airs mémorables, d'une qualité supérieure, nombreux et fréquents. La toute première scène de l'opéra offre ainsi trois arias à trois personnages : « La rivedrà nell'estasi » à Riccardo (il y chante son amour pour Amelia en voyant son nom sur la liste des invités au bal), « Alla vita che t'arride » à Renato (qui rappelle à Riccardo combien son pays compte sur lui, l'enjoignant à prendre garde aux menaces contre sa personne) et « Volta la terrea » pour Oscar (défendant Ulrica alors que Riccardo a reçu un ordre à ratifier pour bannir la magicienne) ! Ulrica ne tarde pas à être servie, avec « Re dell'abisso, affrettati » appelant le Roi des Abysses dans son antre à la deuxième scène de l'Acte I, la même scène durant laquelle Riccardo, en digne ténor bel cantiste, déploie déjà son deuxième grand air : « Di' tu se fedele » (rien ne pouvant le retenir loin de sa bien-aimée), il en aura un autre au dernier acte, « Ma se m'è forza perderti » (méditant son amour déplacé pour Amelia, il décide de renvoyer la femme et son mari Renato dans leur patrie pour faire taire ses sentiments). Après les cinq arias en l'espace de deux scènes, les deuxième et troisième actes mettront à l'honneur Amelia, d'abord recherchant les herbes vouées à tuer sa passion amoureuse interdite dans « Ma dall'arido stelo divulsa », puis avec « Morrò, ma prima in grazia » où, son amour découvert, elle supplie Renato de lui laisser voir une dernière fois son fils. Bien que baryton, une tessiture traditionnellement moins mise en avant que les ténors et sopranos, Renato chante lui aussi un second grand air au dernier acte : « Eri tu che macchiavi quell'anima » dans lequel il se retourne contre Riccardo, pour le mal fait à Amelia. Verdi compose ainsi un opéra centré autour des trois tessitures traditionnelles associées à leurs trois caractères bien campés : le ténor héroïque, la soprano amoureuse et le sombre baryton.